5 ESCENAS DE ACCIÓN: PELEAS

Me gusta ver películas por el mismo motivo que frecuento bares de mala reputación: me encanta cuando estalla una pelea, con el chute de adrenalina, el sudor, la sangre y los dientes volando. Además, las bebidas salen baratas. El combate y la acción han formado parte del cine casi desde el principio, hasta el punto que es una parte fundamental del séptimo arte.

Y el componente básico, la manera más elemental en la que se manifiestan las escenas de acción es en las peleas, donde dos o más personas se dan de tortas la una a la otra, ya sea con puños y pies o con espadas y lanzas. Lo que importa es que, en la lucha cuerpo a cuerpo, los contendientes sean capaces de ver el blanco de los ojos de su oponente y de oler su sangre.

Mi amigo Miguel, de El Vertedero de las Ideas, y yo, nos hemos propuesto a hablar de cinco escenas de Acción de Peleas cuerpo a cuerpo, cada uno en su blog. Al final de éste artículo encontraréis un link a su blog. En el futuro hablaremos de otros tipos de escenas de acción, como tiroteos, persecuciones y batallas.

Dicho esto, sólo puedo decir… “3, 2, 1, FIGHT!”

ADVERTENCIA: Los links conducen a escenas llenas de violencia, sangre y gore. Si ello te va a afectar negativamente, te desaconsejo que hagas clic en los links.

#1: Indiana Jones VS Un mecánico nazi enorme (En Busca del Arca Perdida, Steven Spielberg, 1981)

Una de las tradiciones más ilustres del cine de acción es la escena en la que el protagonista se ve trabado en una pelea con un oponente que le supera en tamaño, fuerza y ferocidad. A menudo, el enemigo n siquiera es un antagonista principal, sino un secundario sin nombre que resulta ser demasiado poderoso para el bueno. ¿Cómo va el héroe a vencer a semejante adversario? Básicamente con un giro de fortuna y un destello de astucia. Este escenario ha visto ejemplos como James Bond enfrentándose al súper esbirro Mr. Oddjob en Goldfinger, Hellboy combatiendo con Mr. Pym en Hellboy II: El Ejército Dorado o el Zorro contra un soldado de dos metros diez en La Máscara del Zorro.

Para mí, el mejor ejemplo incluye a Indiana Jones (Harrison Ford), en En Busca del Arca Perdida, huyendo de una excavación Nazi en el desierto, llevando consigo a su más-o-menos amante Marion Ravenwood (Karen Allen) a un aeropuerto donde escapar de las fuerzas del Tercer Reich. Al encontrar un avión, mete a Marion en la cabina, pero es interceptado por un musculoso mecánico (interpretado por el luchador Pat Roach). Hasta ahora nuestro intrépido héroe ha resuelto sus problemas con agallas, ingenio y no poca bravuconería, habiendo salido triunfante de la mayoría de obstáculos, incluyendo muchas, muchas serpientes. Ahora, Indy se las está viendo con un tío con puños como martillos que le está zarandeando como un saco de patatas. ¡Y encima Marion se ha puesto a disparar una ametralladora a diestro y siniestro, lo que va a causar una explosión en cualquier momento!

Esta pelea es sumamente entretenida, con momentos de humor (el primer golpe que le suelta el nazi es tronchante), tensión y alivio, excelente música de John Williams y con un final tan sangriento como satisfactorio (¡La gente se olvida de lo hardcore que puede llegar a ser Spielberg!). También resulta un agradable recordatorio de la falibilidad de éste héroe, y de cómo a veces sale al paso sólo por pura chiripa. 

https://www.youtube.com/watch?v=3oBWD4JNK_E

#2 Leónidas rompe filas (300, Zack Snyder, 2006)

Que conste que no soy un esnob en lo que refiere a los efectos especiales: directores radicales y visionarios como Meliès, Lucas y Raimi han usado trucos de toda suerte para expandir los límites de este medio artístico que, de lo contrario, se habría limitado a ser teatro, pero grabado (a pesar de que la Academia de Cine parezca pensar lo contrario). Por lo tanto no voy a exigir que las escenas de acción sean intensamente realistas, en localizaciones auténticas, réplicas de armas reales y sangre falsa de verdad. Me encantan las peleas cargadas de animación y efectos digitales, como el rapapolvo entre Iron Man y Thor en Los Vengadores o los enfrentamientos entre robots y monstruos gigantes de Pacific Rim.  En mi corazón hay sitio para la abstracción y el absurdo. ¡De hecho, hay sitio de sobra para trescientos hombres musculosos en tanga de cuero haciendo picadillo a una horda infinita de carne de cañón!

Sí, toca hablar de Zack Snyder, el controvertido pero vital director de obras fascinantes como Sucker Punch, Watchmen, La leyenda de los Guardianes: Los búhos de Ga´hoole y, lamentablemente, las desastrosas primeras películas del Universo Compartido DC. Pero hoy vamos a hablar del filme que le elevó a la fama, la adaptación del cómic de Frank Miller 300, que cuenta la historia de la Batalla de las Termópilas (479 a.C.) como si fuera el fruto de mezclar el arte de Frank Frazetta con la demencia de la revista Métal Hurlant. Snyder, combinando actores reales con un ambiente digital muy estilizado, abandona cualquier pretensión al realismo, y se lo agradezco: una obra como esta necesita ser exagerada y excesiva, un chute de testosterona directo en las venas. Ni siquiera hace uso de la tensión habitual de una peli de acción (es decir, "¿Logrará nuestro héroe salir vivo de ésta?" ¡Por supuesto que lo hará! ¿Acaso no le has visto luchar?). 

Sobra decir que no es una película sutil ni profunda. Su protagonista es una máquina de matar y no mucho más. Pero, citando a mi amigo Miguel, Leónidas (Gerard Butler) es “un personaje unidimensional, pero cuya única dimensión mola que te cagas”. Podemos criticar esta película por su por su deshumanización de la gente de Oriente Medio, por su obsesión con un ideal masculino absurdo, por su uso de personajes simplistas o porque no es capaz de reconocer su homoeroticismo latente. Pero hoy sólo quiero dejaros la escena en la que Leónidas rompe filas, carga contra la horda Persa y corta a sus oponentes como…bueno…Leónidas cortando persas. Ningún símil le hace justicia.

https://www.youtube.com/watch?v=2ba2ZinGLl4

(si tienes prisa, empieza a partir de 3:40)

#3 Kill Bill Volumen 1: La Novia vs los Locos 88 (Kill Bill Volumen 1, Quentin Tarantino, 2003)

¡Hablando de directores visionarios y posiblemente locos! Quentin Tarantino es conocido por hacer películas violentas, pero no de acción: sus filmes suelen ser historias peculiarmente introspectivas, cargadas de diálogo eléctrico e ingenioso, en el que la violencia es sólo la culminación de un encuentro verbal poco amistoso. Pero siempre hay excepciones, y para él es Kill Bill: Volumen 1, una película de acción experimental vanguardista (igual que los dibujos animados, es extraño que el género de acción no sea muchísimo más propenso a la experimentación por parte de los llamados auteurs; se diría que son el vehículo perfecto para la expresión del genio visual de los directores).

En esta película, una asesina a sueldo (identificada como “la novia”, interpretada por Uma Thurman) despierta después de cuatro años de coma, dispuesta a matar con su katana a los que la dejaron en ese estado (habían intentado matarla, pero algo no salió bien). En este caso, pretende acabar con la vida de O-Ren Ishii (Lucy Liu), una antigua colega en el negocio del asesinato y actual cabecilla de los Yakuza. O-Ren, una espadachín extraordinaria, se encuentra en un restaurante en Tokio, protegida por sus guardaespaldas, una colegiala psicópata llamada Gogo Yubari, armada con una maza de cadena, y un ejército de espadachines con antifaces denominados los Locos 88 (al parecer no son tantos, pero cualquiera lo diría).

Esta espectacular secuencia (que ocupa básicamente la cuarta parte del filme en total) es fundamentalmente un nivel de videojuego en el que el jugador se enfrenta a un Jefe Final. Empieza con una breve sección de sigilo que concluye con la captura de la lacaya Sofie Fatale, seguida de  primeras oleadas de esbirros que envía la jefa. Entonces entra en escena la miniboss, Gogo Yubari, la cual deja a nuestra heroína herida (¡Oh, no , se ha quedado sin pociones!). Después viene un boss rush con la llegada de los 88 y su comandante, Johnny Mo, lo que resulta en tal carnicería que la película se ve en la necesidad de pasar a blanco y negro, o de lo contrario nos abrumaría la cantidad de rojo (¡Dime que no es ese el motivo!). Y, para concluir, el propio combate contra O-Ren Ishii tiene varias fases, separadas entre sí por diálogos apropiadamente melodramáticos, como cualquier buen Jefe Final, concluyendo en una muerte desagradable y a la vez satisfactoria.

Esta secuencia, en realidad compuesta de múltiples y prolongadas escenas de distintos combates en varias fases, es una obra maestra, una combinación de artes marciales, expresionismo, lógica de videojuego y gore como nunca antes y nunca después se ha visto. Poesía del desmembramiento. Nunca la venganza había sido tan excelente.

Nota: el link a esta escena sólo contiene parte de la batalla, ya que es muy, muy, muy larga.
https://www.youtube.com/watch?v=ecimuK20dSA


#4 Rama VS todos en el Pasillo (Redada Mortal, Gareth Evans, 2011)

Probablemente hayas notado que mi selección contiene poco de artes marciales, un género especializado precisamente en la lucha cuerpo a cuerpo. Y es que tengo una confesión que hacer: he visto muy pocas películas de artes marciales y de Wuxia. Sé quién es Bruce Lee, pero no recuerdo haber visto ninguna de sus películas, al menos no entera.

Por suerte para mi credibilidad, una de mis películas de acción favoritas resulta ser Redada Mortal, un film de acción de Indonesia que combina tiroteos intensos con brutales duelos de Pencak Silat, el arte marcial local. Y “brutal” es, sin duda, el adjetivo correcto para describir esta peli. El honrado agente de policía Rama (Iko Uwais, un artista marcial con el carisma natural de una estrella de acción) forma parte de una redada a un edificio controlado por un cabecilla de la mafia, donde prácticamente todos sus inquilinos trabajan para él. No es difícil adivinar que la redada sale mal, los polis se ven rodeados y asesinados a diestro y siniestro y que Rama debe buscar la salida mientras acarrea consigo a un colega herido.

La pelea que muestro es posiblemente la más icónica. Es notable el lenguaje visual, el cual descarta el romanticismo de Indiana Jones o la estilización sobrehumana de Kill Bill y 300, optando más bien por una sensación de vulnerabilidad y realismo (lograda en parte por el uso de cámara sin trípode, pero sin sacudirla), a pesar de que las proezas marciales de Rama sean claramente fantásticas. Es simultáneamente molón y doloroso, un logro de acción como pocos.

https://www.youtube.com/watch?v=d1LMn5HdNJ4


#5 Neo VS Agente Smith en el Metro ("Mi nombre...¡es Neo!") (Matrix, Lilly & Lana Wachowski, 1999)

Como no podía ser de otro modo, he de mencionar una de las películas más influyentes de todos los tiempos: Matrix, de las hermanas Wachowski. Una película que fue revolucionaria en la forma en que mezclaba acción de artes marciales y Gun-Fu con filosofía Budista, existencialismo, modas alternativas y especulación sobre el potencial de Internet. No creo que haya nada que yo pueda decir de esta película que docenas, no, centenares de personas hayan expresado y analizado ya.

Sólo puedo decir que el combate entre el héroe, Neo y su némesis, el Agente Smith, en el metro de Nueva York, es algo increíble.

Si no sabes de qué va la historia, abróchate. Thomas Anderson (Keanu Reeves; por supuesto que no le había olvidado) es un oficinista que adopta la identidad de hacker Neo. Es contactado por un hombre misterioso llamado Morfeo, que le revela que el mundo que percibimos es en realidad el producto de Matrix, una simulación virtual creada por ordenadores diseñada para asegurar el control de las máquinas inteligentes sobre el rebaño humano. La Resistencia, de la que Morfeo es miembro, busca liberar las mentes humanas para poder alzarse contra los tiranos mecánicos. También revela a Neo que él es el Elegido que destruirá a los opresores, pero Neo es escéptico al respecto. Cuando Morfeo es capturado por los Agentes, Inteligencias Artificiales que viven dentro de la realidad virtual de Matrix (lo que los hace, básicamente, invencibles), Neo y su colega Trinity montan una operación de rescate y liberan a su mentor mutuo. Pero entonces, durante la evacuación, Neo queda rezagado y se ve acorralado por Smith, uno de los Agentes, el cual le ha estado persiguiendo y humillando durante buena parte de la trama.

Es bastante que digerir, pero la película tiene ya veinte años.

La pelea es icónica por su (entonces) innovadora forma de combinar artes marciales con armas de fuego, su modo de doblar la realidad según la percepción de los contendientes y, sobre todo, por el poderío dramático del diálogo y el lenguaje visual. Smith no deja de referirse a nuestro héroe como “Señor Anderson”, asegurándose de dejarle claro que él no es más que rebaño. Le tiene agarrado, listo para ser destruido por el metro a punto de llegar. Entonces Neo le declara, indómito: “Mi nombre… ¡es Neo!”. Una de las mejores aseveraciones de individualidad jamás realizadas, especialmente como parte de una pelea extraordinaria. Fluida, elegante, enérgica y electrizante al mismo tiempo, esta pelea es un clásico hecho y derecho. 

https://www.youtube.com/watch?v=7GSgWzmR_-c

Aquí os paso el link al artículo paralelo de Miguel en El Vertedero de las Ideas.
https://elvertederodeideas.wordpress.com/2019/10/01/top-5-peleas-cuerpo-a-cuerpo/?fbclid=IwAR0MRUXNTvdXSNmHGxsVf_bq48_3BYSZ1G4IQC56unincBLlPGokaUsCi6U

Gracias por leer. ¿Estás de acuerdo, o en desacuerdo? Comenta y comparte, y estáte atent@ a artículos futuros. ¡Hasta la vista!

La semana que viene, hablaremos de grandes momentos de revelación. ¡Hasta pronto!

5 INTRODUCCIONES A PERSONAJES DE CINE

Hay una famosa anécdota en la que el director Howard Hawks respondió a la pregunta “¿Qué es necesario para hacer una buena película?”, a lo que él respondió: “Que tenga al menos tres grandes escenas y ni ninguna mala”. Aunque se puede debatir sobre si esa afirmación es razonable, no cabe duda de que nos encanta rememorar y hablar sobre nuestras escenas favoritas. Y eso es lo que mi amigo Miguel Ruiz Sarasa, de "El Vertedero de Ideas" y yo nos proponemos hacer: hablar sobre escenas memorables y fantásticas del séptimo arte. Lo que haremos será ponerlas por categorías, y cada semana o media semana hablaremos, cada uno en su blog, de cinco escenas que consideramos de las mejores de ese tipo: cinco escenas de miedo, cinco de tiroteos, cinco escenas musicales, etc. En esta semana, no hay mejor forma de empezar que por el propio comienzo. En este caso, cinco introducciones a personajes: cómo se presentan por primera vez ante nosotros, y qué primera impresión nos causan. El link al artículo de Miguel estará al final de éste.

ALERTA DE SPOILERES: 

Si aún no has visto Seven, de David Fincher, sáltate la entrada 2 o, mejor todavía, vete a ver la película. 

#1: Blade (Wesley Snipes), en Blade (Stephen Norrington, 1998)

A veces no hay mejor forma de empezar que yendo a saco. Mientras que muchos héroes de acción (y, sin duda, la mayoría de superhéroes) son presentados poco a poco, apareciendo ante nuestros ojos como gente normal y corriente, o por lo menos razonable y pacífica antes de que alguien arroje el guante, no es así con el asesino de vampiros, Blade, interpretado por Wesley Snipes.

Empezamos la película con un desgraciado que cree que ha ligado con una sensual chica gótica, la cual le lleva a su club favorito, donde la gente baila a todo trapo. Ahí descubre, para su horror, que los aspersores de techo están esparciendo sangre por todos lados, que los feligreses tienen colmillos, y que la gótica sexy parece muy interesada en morderle la yugular. Cuando todo parece perdido para el pobre bobo, la escena pasa de terror puro a acción magnífica cuando, entre la marabunta de vampiros cubiertos de rojo, aparece este coloso con abrigo negro, gafas de sol y extraños tatuajes craneales. Blade, el Caminante Diurno, poseedor de todos los poderes de los vampiros pero ninguna de sus debilidades, ha visto que hay una plaga, y ha venido a exterminarla, con una escopeta en una mano y una espada en la otra.

Maravilloso.

Lo interesante de esta escena es que, a pesar de que Blade no pronuncia ni una palabra, aprendes muy rápidamente de qué rollo va y por qué te va a gustar. Se ha establecido el contexto muy claramente: hay vampiros, los vampiros son unos cabrones, y Blade va a cargarse esos cabrones de manera espectacular. Más adelante aprenderemos sus orígenes, sus motivaciones y su pasado, pero sólo con esta escena ya estamos con él para lo que haga falta. Blade entra en escena y en nuestros corazones a plena potencia, mientras otros héroes de acción esperan hasta mucho después para ponerse a luchar.

Hay cabrones que se empeñan en patinar cuesta arriba.

https://www.youtube.com/watch?v=Kd6UtMo3JDw&list=RDgHBhKbF2xMA&index=2

# 2: John Doe (Kevin Spacey), en Seven (David Fincher, 1995)

Por supuesto, cuando un gran héroe entra en escena nos proporciona un subidón, pero cuando un villano realmente aterrador aparece, se nos puede encoger el estómago y helar el corazón. Algunas de las personas más memorablemente espantosas del cine nos producen tal terror que no nos lo podemos quitar de encima. El efecto se multiplica considerablemente cuando la aparición del malo se ve precedida por su reputación y por los actos que nosotros mismos hemos presenciado.

En este particular caso, sabemos que un asesino en serie, denominado John Doe (nombre asignado a varones de identidad desconocida) ha cometido una serie de asesinatos particularmente atroces ideados en torno a los siete pecados capitales, metiendo a personas que considera culpables de dichos pecados en situaciones donde mueren de manera horrible (por ejemplo, cortándole la cara a una mujer a la que acusa de Soberbia, y dándole a elegir entre morir ahora o vivir el resto de sus días desfigurada; esa es posiblemente la muerte menos desagradable en la película).

Tras la pista de John Doe están los detectives Mills (Brad Pitt) y Somerset (Morgan Freeman), cada vez más frustrados a medida que los cadáveres se apilan y no logran si quiera averiguar qué aspecto tiene el asesino. Y entonces John Doe, interpretado por Kevin Spacey, simplemente aparece en comisaría, cubierto de sangre, calmadamente al principio, pero luego gritándole a los detectives que le presten atención. Aterrador en su simplicidad, este acto es tan memorable como intrigante, y revelará con esto el propósito de su Obra Magna.

https://www.youtube.com/watch?v=hImAmM5-Fpg

#3: El Genio (voz de Robin Williams), en Aladdín (Ron Clements y John Musker, 1992)

Otra forma interesante de presentar el personaje es subvirtiendo nuestras expectativas. Ya sea por reputación o porque lo primero que vemos del personaje nos indica una cosa, en cuanto éste abre la boca nos damos cuenta de que su compañía va a ser muy distinta de lo que suponíamos. Y, en un caso como el Genio de la Lámpara que interpretó Robin Williams, el giro no nos causa decepción, sino maravilla.

Imagínate esto: viendo una película de fantasía árabe, haciendo pastiche de distintos cuentos de las Mil y una Noches, nuestro héroe, el simpático bribón Aladdín se ha enamorado de una princesa, ha entrado en una cueva mágica con la forma de una cabeza de león y ha sido manipulado y engañado por un hechicero. Pese a los toques modernos, todo esto es cuento de hadas puro y duro. Atrapado en la caverna, coge la lámpara de aceite que parecía haber causado todo aquel barrullo, la frota para leer lo que pone (nota: este muchacho debería ser analfabeto, y el árabe es una lengua notoriamente difícil de leer: adiós a la suspensión de la incredulidad; si estás de acuerdo con esto, entonces eres un@ pedante), y empieza la magia: chispas y fuegos fatuos flotan en el aire, suenan risas ultraterrenas y de la lámpara surge, azul, refulgente y gritando un inmenso espíritu de fuego. Es gigantesco, es poderoso y tonante y ruge con la voz de una tempestad:

"¡¡¡AAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAHHHHHH…!!!

¡UAU!

¡Diez mil años le dejan a uno el cuello hecho polvo!"

Y entonces te das cuentas de que Robin Williams te tiene cogido, y que este entrañable Genio es un dibujo animado dentro de un dibujo animado, una especie de Bugs Bunny con los poderes de un dios, pero tan amable y cariñoso como gracioso y estrafalario. Creías que iba a ser un poderoso espíritu, pero te salió un comediante. Es lo mejor que podía haber pasado.

https://www.youtube.com/watch?v=GI27mX1BHvk

#4: Judas Iscariote (Carl Anderson), en Jesucristo Superestrella (Norman Jewison, 1973)

Una de las primeras cosas que aprendes al estudiar cine y literatura es que el comienzo (ya sea en las primeras líneas o los primeros minutos) es vital: ha de establecer el tono y el tema de la historia. Gana puntos extra si el comienzo introduce también a los personajes, sus relaciones y sus conflictos. Y si encima lo hace con un fantástico número musical, mejor que mejor.

Así es como empieza la adaptación al cine del musical de Broadway Jesucristo Superestrella, una perspectiva alternativa y existencialista a los últimos días de vida del Mesías cristiano y su ejecución, visto desde los ojos de personajes como María Magdalena, el apóstol Pedro, el sumo sacerdote Caifás y su cuñado Anás y, especialmente, Judas Iscariote, el apóstol traidor (interpretado por Carl Anderson).

Empieza en el desierto, en las rocas blancas y áridas de Israel, mientras la cámara se acerca a una figura sentada en solitario, visiblemente preocupado. El riff de guitarra eléctrica marca claramente el carácter de ópera rock que tendrá esta historia. El crescendo sube hasta que la tensión resulta insoportable, y entonces oímos a Judas. Empieza suave, meditativo y temeroso. Entonces eleva la voz, mirando a Jesús y sus seguidores a la distancia, explicando el problema: el carpintero de Nazaret está empezando a llamar mucho la atención, declarando ser el Mesías, el Hijo de Dios, y Judas ve a dónde conducirá eso: a una revolución contra la ocupación romana, a la represalia y a la exterminación del pueblo judío. Está aterrado, y un poco furioso, pues lamenta que Jesús no escucha sus advertencias. Si no hace algo pronto, esto terminará en desastre.

En esta escena podemos experimentar el tema central de la historia, los efectos que una persona como Jesús de Nazaret tiene sobre los que le rodean (en este particular caso, Judas), pero también comprobamos, de manera un poco sutil, uno de los defectos de Judas: su incapacidad de comunicarse directamente con Jesús, de expresarle su miedo, pues le grita a la distancia...en medio de un soliloquio. 

Es una escena tremenda, capaz de dar dimensiones humanas a uno de los personajes más odiados de la Biblia (Nota: Judas era un hombre de carne y hueso como cualquiera, pero sabemos poco acerca de cómo era su carácter ni de qué pensaba acerca de lo que ocurría; sólo sabemos sus actos al final de la carrera de Jesús) a la vez que nos proporciona una de las mejores canciones de rock alternativo, con mayor capacidad de expresar miedo y frustración jamás hechas.

https://www.youtube.com/watch?v=pqoeM18vCaU

#5: Rufus T. Firefly (Groucho Marx), en Sopa de Ganso (Leo McCarey, 1933)

Finalmente, hablemos de introducciones que nos hacen rodar en el suelo, apretándonos el estómago de pura risa. Hablemos de comedia, de farsa y de vodevil, de caos verbal y slapstick. Qué demonios, hablemos de los Hermanos Marx y, por qué no, de su obra maestra, Sopa de Ganso. Estos cómicos están en los anales de los grandes de todas las eras, desde contemporáneos como Buster Keaton y Charles Chaplin hasta humoristas actuales como Adam McKay, Seth Rogen y Chris Rock. Groucho, Chico y Harpo (no hablamos de Zeppo en esta casa) son tres de los mejores. Groucho, de hecho, es la referencia cómica directa de Bugs Bunny, así que ya te puedes imaginar el nivel de influencia artística de estos tres genios.

En Sopa de Ganso (no me preguntes por el significado del título, no tengo ni idea), la Viuda Teasdale (Margaret Dumont, miembro no oficial pero imprescindible de la tropa), la mujer más rica e influyente de la nación, insiste en el nombramiento de un tal Rufus T. Firefly (Groucho Marx) como presidente de Freedonia (y que el proceso democrático se vaya a freír espárragos). La investidura empieza con una cantidad obscena de pompa y ceremonia, cantan el himno nacional, los soldados alzan los sables y doncellas entran y arrojan pétalos. Y el presidente se ha quedado dormido en la cama.

Lo que sigue es una desternillante comedia en la que apreciamos la afilada lengua de Groucho y en qué medida un ego desproporcionado como el de Rufus T. Firefly no se toma en serio un cargo tan importante como el de presidente (ejem, relevante, ejem), e incluye algunos de sus mejores intercambios verbales, incluyendo esta joya que dirige a la viuda Teasdale, al tocar el tema de su difunto marido:

“¿Se casaría conmigo? ¿Le dejó mucho dinero? Conteste primero a lo segundo.”

Perfecto.

https://www.youtube.com/watch?v=qSabiG8q8-k&list=PLxJQM6o4lmjkD42ByRbY1TiM5u1880pq-

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Para leer el artículo paralelo de mi compañero Miguel, haz clic en el link:
https://elvertederodeideas.wordpress.com/2019/09/25/top-5-introducciones-de-personajes-de-cine/?fbclid=IwAR3rkc75QWdgANNEGauIYthcFlYf4RDPvjsUlTjOrBZPJNtDnmr38uKbCu4

UNIVERSO CINEMATOGRÁFICO DEL SALVAJE OESTE

¿Y si las películas clásicas de vaqueros y bandoleros del género Western fuesen todas parte de una única macro-narrativa, lo que las películas de Marvel, DC y los Monstruos Universales han dado por llamar un Universo Compartido? ¿Qué aspecto tendría la cronología de esta inmensa serie si decidiésemos, de manera retroactiva, que estas películas están entrelazadas entre ellas con localizaciones y personajes en común? Obviamente, tendríamos que ignorar un par de hechos como el que varios personajes pertenecen a la historia o al folclore del mundo real y, especialmente, el hecho de que varios actores reaparecen con distintos papeles. He decidido, sin embargo, que prefiero jugar con esa idea, y que, en ocasiones, algunos personajes cambiarán de nombre de película a película, como si fuesen leyendas susurradas entre los supersticiosos, con historias no enteramente definidas. Veamos lo que nos sale.

Fase 1:

Empezaríamos por el prólogo, acaso uno de los ingredientes principales de la serie: El último mohicano (Michael Mann, 1992), que narra un episodio del conflicto entre Francia e Inglaterra antes de la Guerra de Independencia, estableciendo el paralelismo entre la caída de las tribus nativas de las Américas y el ascenso de los colonos, estableciendo el carácter de los fronterizos. El fin del pueblo Mohicano es el nacimiento del pueblo Americano.

Hacemos un gran salto en el tiempo, al apogeo del mundo Sureño y del tráfico de esclavos negros, y examinamos este hecho desde la justa venganza: la intensa acción de Django Desencadenado (Quentin Tarantino, 2012), en la que el ex esclavo Django Freeman y su amigo, el Doctor Schultz, se adentran en las podridas entrañas de las plantaciones de Mississippi para liberar a la bella Brumhilda de las garras de su perverso amo, Calvin Candy. En cierta medida, Django Freeman inicia el combate anti-esclavista unos años antes de que empezase de verdad, precediendo la caída de imperio de los traficantes de personas.

¡Oh, no las paradojas espacio-temporales acaban de comenzar!

Para nuestro primer evento principal, tenemos la Guerra Civil estadounidense (1861-1865). Aunque no pertenecen al mismo género, podemos añadir dos películas a la saga: Lo que el viento se llevó (Victor Fleming, 1939) y Lincoln (Steven Spielberg, 2012), dos películas que forman las dos caras de una moneda, en este caso, perspectivas opuestas de la Guerra.

Mientras los combates van llegando a su fin, dos bandidos concluyen la búsqueda de un tesoro: Tuco y Rubio, mientras eluden los ataques del diabólico asesino Ojos de Ángel. Ellos son El Bueno, el Feo y el Malo (Sergio Leone, 1966).

Fase 2:

A partir de este punto, tenemos varias líneas narrativas que toman caminos separados, de héroes que regresan de la guerra. Uno de los temas centrales de estas historias es el cambio interior y exterior después de la larga ausencia, y sus héroes son extraños en tierra extraña.

Por un lado, un antiguo Ranger, el Llanero Solitario (1949-1957), junto a su amigo Tonto, emprende la cacería del villano Cavendish en las aventuras de la legendaria serie de televisión.

Un exsoldado unionista, el misterioso Django (Sergio Corbucci, 1966) arrastra un ataúd hasta un pueblo en mitad del fuego cruzado entre supremacistas blancos y revolucionarios mejicanos, listo para su amarga venganza. Su saga continuaría durante muchas películas y muchos actores, cruzándose incluso con el temido Sartana (de quien no sé nada, así que no preguntes).

Django Freeman, pistolero antes de la Guerra Civil. Actor: Jamie Foxx.

Django, a secas, veterano Confederado. Actor: Franco Nero.

Pero el Oeste también es hogar para la risa. En Blazing Saddles (Mel Brooks, 1974), un exconvicto negro llamado Bart es asignado a un pueblo de Tejas como su sheriff, lo que causa el caos entre los vecinos, los criminales, los del Ku Kux Klan, las tribus nativas e incluso los Metodistas. De hecho, se arma tal pandemónium que los héroes y los villanos destruyen accidentalmente la realidad al concluir su batalla en un estudio de Hollywood, rompiendo “la cuarta pared” con barriles de dinamita. Pienso aprovechar esta película para explicar las desincronizaciones y paradojas espacio-temporales y la presencia de realidades paralelas. ¡El multiverso tiembla ante Mel Brooks!

La estructura de la Realidad se tambalea con cada tartazo.

Otro veterano, un confederado llamado Ethan, también regresa a su hogar, sólo para ver cómo su familia es asesinada por los Apaches. Él y un familiar medio Apache buscarán durante cinco años a su sobrina, secuestrada por la tribu, convirtiéndose en auténticos Centauros del Desierto (John Ford, 1956).

Cuando el polvo de la guerra se posa, Rubio, también conocido como El Hombre sin Nombre, ataviado ya con su icónico poncho, y habiéndose pulido su tesoro, llega a un pueblo fronterizo atrapado entre dos bandas criminales. Está dispuesto a hacer lo que sea…Por un puñado de dólares (Sergio Leone, 1964). Un tiempo después, el Hombre sin Nombre vive la que será su última aventura conocida al aliarse con el Coronel Morgan para dar caza al peor y más demente de todos los bandidos…el Indio. Al fin y al cabo, incluso La muerte tenía un precio (Sergio Leone, 1965).

Curiosamente, está última película es el comienzo de las paradojas espacio-temporales causadas por la ruptura del tejido de la realidad del final de Blazing Saddles. El Coronel Morgan tiene exactamente la misma cara que el temible villano Ojos de Ángel, que curiosamente parece una versión más vieja de los esbirros de otros malvados como Frank Miller y Liberty Valance. ¡Lee van Cliff fue un actor prolífico, pero no voy a admitir sus interferencias con la continuidad, dita sea!

Uno de los grandes enigmas del Oeste: ¿están emparentados el Coronel Morgan y Ojos de Ángel?

Fase 3:

La paz regresa poco a poco a la Frontera, y la civilización se asienta paulatinamente. En gran medida, todo ello es gracias a la llegada de la modernidad a manos del gran invento: el ferrocarril. Pero las fuerzas del crimen se oponen con ahínco, dispuestas a todo para asegurar el reinado de sus fechorías. La lucha entre las fuerzas de la ley y del crimen llega a su punto álgido.

En el pueblo de Río Bravo (Howard Hawks, 1959), Ethan se ha cambiado el nombre a John Chance y ha sido nombrado sheriff, pero él y su borracho ayudante se ven amenazados de muerte por Nathan Burdette y su banda.

Ethan cambió su nombre por John Chance. Actor: John Wayne. 

Un malvado forajido llamado Frank se alía con un magnate del ferrocarril para apoderarse de grandes extensiones de terreno. Frank se dedica a asesinar a los inocentes Hasta que llegó su hora (Sergio Leone, 1968), pues una sombra de su pasado lo busca para matarlo, un hombre de porte lacónico tocando una armónica.

Un pistolero llamado Vin Tannen afirma proceder de la ciudad donde tiene lugar una de las grandes epopeyas de su época: Tombstone, la leyenda de Wyatt Earp (George P. Cosmatos, 1993). El histórico agente de la ley y el jugador y pistolero Doc Holliday se alían durante para poner fin al reinado criminal de la banda de los Cowboys, liderada por Curly Bill Brocius, en el legendario tiroteo de OK Corral y la gran cacería de los Cowboys.

Kurt Russell interpreta al histórico Wyatt Earp. Co-protagoniza su fantásico bigote.

En su intento por reparar el daño causado al tejido espacio-temporal, el adolescente Marty McFly viaja en el tiempo desde su nativo Hill Valley en 1985 a 1885, en busca del científico loco Doc Brown: Regreso al Futuro III (Robert Zemeckis, 1990). En el proceso, se encontrará con el antepasado de su archienemigo, el depravado Biff “Perro Loco” Tannen. Esta cómica aventura supone dos cosas interesantes para nuestra línea temporal: la primera, que sin duda Biff Tannen debe de estar emparentado con Vin Tannen, el pistolero mencionado con anterioridad (y que cobrará mayor importancia más adelante). 

"No podemos escoger a nuestra familia", dice Vic Tannen
cuando le preguntan por su primo, "Perro Loco" Tannen.

La segunda es la naturaleza de la realidad, la ficción y el mito de estas películas en su propio universo: puesto que Marty McFly es consciente de al menos una de las películas de esta serie, Por un puñado de Dólares, dado que Regreso al Futuro 2 (1989) y 3 hacen referencias explícitas a ese filme, se ha de entender que es una ficción dentro de la ficción de Regreso al Futuro, pero hemos acordado que es una realidad dentro de esta línea cronológica. Esto tiene tres explicaciones posibles:

1: La historia del Hombre sin Nombre es una leyenda que se ha mantenido extrañamente intacta y que finalmente fue adaptada al cine por Akira Kurosawa bajo el título de Yojimbo (1961), y luego por Sergio Leone como Por un puñado de dólares, suponiendo en ese caso no un plagio de la primera, sino una adaptación del folclore.

2: La realidad alterada por Biff y el Almanaque en 1955 hizo que el cine se desarrollara del modo que conocemos hoy en día, haciendo que Clint Eastwood y Sergio Leone hicieran la famosa película, mientras que la realidad “buena” que desean Marty y Doc Brown impediría ese suceso.

3: La ruptura de la estructura de la realidad causada al final de Blazing Saddles cuando los personajes del Western invaden Hollywood para continuar allí su pelea hace que se fracture el universo en varias realidades paralelas, en algunas de las cuales estas películas son sucesos históricos, en otras de las cuales son pura ficción.

Y entonces llega el Anti-Monitor y destruye su universo.

Mundos vivirán, mundos morirán, y el universo...espera, esto no puede estar bien.

Uau, creo que me he pasado.

En todo caso, la vida sigue adelante, y la Frontera está a punto de vivir una de sus mayores batallas.

Un pueblo mejicano se ve acosado por una  tropa de bandidos que les despoja de sus alimentos. Los pueblerinos deciden reclutar a siete pistoleros, entre los que se incluye Vin Tannen, para ayudarles a derrotar a los malvados. Posiblemente la mayor alianza de héroes de su época, los Siete Magníficos (John Sturges, 1960) son al Salvaje Oeste lo que los Vengadores (Joss Whedon, 2012) a  los superhéroes.

Y si los 7 son como los Vengadores, ¿quién es su Loki? Pues nadie menos que Tuco, “el feo”, que ha regresado de sus andadas desde el final de la Guerra Civil y, adoptando el nombre de Calvera, lidera un ejército de bandidos para aterrorizar los pueblos de Méjico, dispuesto a lo peor.

Entre los defensores de los indefensos se encuentra el lacónico hombre de la armónica, Bernardo O´Reilly. Habiendo satisfecho su venganza, ha dejado a un lado el instrumento, recuperando su buen carácter y decidido regresar a su tierra natal de Méjico, a la que protegerá de canallas. Los 7 enzarzan una feroz y épica batalla, uno de los mayores momentos de heroísmo del Western.

Tuco, alias Calvera, se convirtió en un gran bandido. Actor: Eli Wallach.

Bernardo O´Reilly, alias el Hombre de la Armónica, cobró mejor humor después de vengarse contra Frank. Actor: Charles Bronson .

Vic piensa en el hogar que nunca tuvo en la ciudad de Tombstone. Actor: Steve McQueen.

Fase 4:

El Salvaje Oeste está ya en decadencia. La civilización que tanto luchó por lograr se adueña de los últimos rescoldos de la frontera, y las tecnologías de comunicación y transporte suponen el último clavo en el ataúd para este período de salvajismo, violencia y libertad. Las viejas leyendas van muriendo, siendo sustituidas por el orden y la urbanidad. Llega la hora de los últimos, gloriosos coletazos de la era de los pistoleros y ladrones de ganado, convertidos casi en héroes byronianos.

La pequeña Mattie Ross ve cómo su padre es asesinado por un borracho fugitivo. Exhibiendo Valor de Ley (Henry Hathaway, 1969) en busca del perpetrador, recluta la ayuda de un Marshall de Colorado llamado Rooster Cogburn, que no es sino Ethan, que ha vuelto a cambiar de nombre y empeorado visiblemente: está más gordo, más borracho y ha perdido un ojo, pero no es por ello menos peligroso. Esta podría ser su última carga heroica antes de su muerte, pero ¿qué le condujo a su espiral autodestructiva?

Ethan, alias John Chance, se hace llamar Rooster Cogburn. Amargado y borracho, ha perdido un ojo y ha engordado.

¡Vale, vale, no has engordado, retiro lo dicho! Actor: John Wayne

Bret Maverick (Richard Donner, 1994), jugador profesional y timador por afición, siguiendo el ejemplo de su padre, se embarca en una picaresca aventura para embolsarse el dinero que necesita para poder ingresar en el mayor torneo de póker del siglo, a bordo de un navío en el Mississippi. En su camino, se topará con seductoras timadoras, cazadores de recompensas vengativos y docenas de primos a los que desplumar (o por los que ser desplumado).

Esta película no está directamente conectada con otras de esta lista, pero tiene vínculos temáticos con El último mohicano al tener una de las más notables y simpáticas presencias amistosas de tribus Nativo-Americanas, y al tener el cameo de un personaje histórico: el joven forajido John Wesley Hardin. Al incluir este filme, podemos añadir otras películas en las que figure Hardin y otros personajes notables del salvaje Oeste, como Wild Bill Hickock y Calamity Jane. Esta tarea se la dejaré a otros.

Los bandidos ven cómo el mundo se les va haciendo más y más hostil. Ahora que el nudo de la civilización les ahoga el cuello de veras, empieza a haber honor entre los ladrones. Mientras el Grupo Salvaje (Sam Pekinpah, 1969) emprende su misión suicida para rescatar a sus miembros en las garras de un general revolucionario en Méjico, Butch Cassidy y Sundance Kid verán su épico final en Bolivia, resultando ser Dos Hombres y un Destino (George Roy Hill, 1969). Los días de la frontera han terminado. Serán otros locos, como Bonnie y Clyde (Arthur Penn, 1967) o John Dillinger (Enemigos Públicos, Michael Mann, 2009) los que acarreen la antorcha del crimen romántico en el Siglo XX.

En nuestro epílogo, el senador Ransom Stoddard y su esposa Hallie regresan a Shinbone. Se dice que él es El hombre que mató a Liberty Valance (John Ford, 1962). Van a celebrar el funeral de un viejo amigo: Tom Doniphon, quien no es sino Ethan después de su aventura de Rio Bravo, quien había conseguido terreno y se había convertido en ranchero, pero antes de Valor de Ley, cuando aún tenía ambos ojos. En efecto, nuestro epílogo es también una precuela. En esta historia, rememoran el encuentro entre Ethan y Stoddard, de cómo la bella Hallie le rompió el corazón escogiendo al abogado en vez del ranchero (y, según esta teoría, le llevó a beber), y de cómo al matar al malvado Liberty Valance, la civilización pudo al fin arraigar en el Oeste.

Antes de ser Rooster Cogburn, Ethan, alias John Chance, adoptó la identidad del ranchero Tom Doniphon.

Sólo el cactus arraiga en el desierto. Una planta dura, pero hermosa a su vez.

Y cerramos con la gran tesis del género, desde Ojo de Halcón y Chingachgook hasta Butch Cassydy y Sundance Kid, pasando por Django Freeman, el Hombre sin Nombre, Ethan, Wyatt Earp, Tuco y los Siete Magníficos: “Esto es el Oeste. Cuando la leyenda se hace realidad, imprime la leyenda”. Los inmensos prados de la Frontera tienen ahora carreteras de asfalto y máquinas cosechadoras, pero las historias de cowboys y forajidos, reales, ficticias y folclóricas, siguen en nuestra memoria y nuestra imaginación.

Esto ha sido un experimento gracioso. Una de las razones por las que no he podido incluir más películas del género Western es porque no es nada fácil conciliar la continuidad de distintas series y filmes. Ya he tenido que hacer auténticos malabares con John Wayne, y he tenido que descartar clásicos como La Diligencia (John Ford, 1939) para esto. Asimismo, hay muchas películas que me quedan por ver, como las de Terence Hill y Bud Spencer  y la serie de Sartana. Otras, como Raíces profundas (George Stevens, 1953) y Sólo ante el peligro (Fred Zinneman, 1952) carecen de conexiones narrativas interesantes, así que no sabría dónde incluirlas (además, no me da la gana asociar Raíces profundas con otras pelis más interesantes, y ya tuve bastante con Hasta que llegó su hora; y van dos clásicos que no me gustan para nada).

"¡Shaaaaaaaaaaaaaaaaaaaane!"
¡Que te calles, crío!

Seguro que hay más que podríamos añadir a esta extraña y enrevesada cronología. A ver con qué salís, pero hay que justificar la conexión. Pueden ser personajes ficticios, o cameos de héroes y villanos del Oeste, como Buffalo Bill. Dame títulos, pero decidme cómo conectan con esta macro-narrativa.

Con todo lo dicho gracias por leer.

¡ME VOY A CABALGAR POR EL HORIZONTE!

¡HEY-HO, SILVER!

P.D.: La conexión de Regreso al Futuro III fue idea de Miguel, así que muchas gracias, muchacho.